Il cammeo rappresenta l’episodio del mito greco che narra la contesa tra Poseidone e Atena per il possesso del territorio dell’Attica. Diverse sono le versioni di questo racconto ma il nucleo è uno: il dio del mare fece sgorgare sull’Acropoli una fonte d’acqua marina, Atena invece piantò un albero di olivo che, essendo il dono migliore, gli assicurò la vittoria.

Su concessione MiBACT- Museo Nazionale Archeologico di Napoli

Calice a vasca ovoide con piede a ventosa su stelo corto e decorato a palmette come l’orlo. Le anse a forcella sono fitomorfe. All’esterno il calice è decorato a rilievo con rami di olivo che lo abbracciano su tutta la superficie. Le olive sono state realizzate a parte e successivamente saldate. La coppa per vino faceva parte di un servizio trovato nella Casa del Menandro di Pompei nel 1930. Era custodita insieme ad altri pezzi di argenteria e monete in una cassa trovata in un ambiente sotterraneo della casa appartenuta ai Poppaei, nascosto durante i lavori di restauro dell’abitazione e poi sepolto dall’eruzione del 79 d.C.

Su concessione MiBACT- Museo Nazionale Archeologico di Napoli

La tela mostra quattro putti disposti in varie pose su uno sfondo caratterizzato dai resti di un antico tempio. Il putto in piedi tiene nella mano destra un ramoscello d’ulivo e nella sinistra una bilancia, simboli della pace e della giustizia. Sdraiati al suo fianco due putti mangiano uva accanto ad un fascio romano e ad una lapide scolpita a bassorilievo. In alto, un putto alato abbraccia una cornucopia piena di frutta, simbolo di abbondanza. Il dipinto fu realizzato come modello per uno degli arazzi che dovevano decorare la residenza borbonica, i cui temi erano scelti con il fine di celebrare le virtù dei reali. Giuseppe Bonito fu nominato da Carlo di Borbone pittore di Camera del re nel 1751.

Reggia di Caserta – Laboratorio Fotografico (sig. Antonio Gentile)

Nel dipinto è rappresentata una donna che ammansisce un centauro prendendolo per i capelli, la cui interpretazione rimane ancora dubbia. La donna, interpretata come Pallade-Minerva, ma anche come la vergine Camilla, come Venere o come figura allegorica di virtù, indossa una sottile veste e un manto verde, rami di olivo – pianta sacra a Minerva – le cingono testa, spalle, braccia, seno e fianchi mentre nella mano sinistra tiene un’alabarda e con la destra prende per i capelli il centauro. Si tratterebbe della rappresentazione allegorica della ragione che sottomette l’istinto, ma potrebbe avere un’interpretazione politica di celebrazione del ruolo di Lorenzo il Magnifico nelle vicende del periodo.

Su concessione MiBACT – Ex S.S.P.S.A.E e per il Polo Museale della città di Firenze – Gabinetto Fotografico

La tavola con il ritorno di Giuditta fa da controparte alla rappresentazione della scoperta del cadavere di Oloferne. I due episodi fanno riferimento a quanto narrato nel libro di Giuditta: per liberare la città di Betulia assediata dal comandante assiro Oloferne, Giuditta conquista la sua fiducia e approfittando della sua ubriachezza, lo decapita liberando la città. La scena qui riprodotta mostra Giuditta che avanza, seguita dalla sua serva che porta la testa di Oloferne. L’eroina ebrea ha ancora tra le mani la scimitarra con cui ha ucciso l’assiro, ma nella sinistra reca un ramo di olivo, simbolo della pace riconquistata e della libertà restituita al popolo di Betulia.

Su concessione MiBACT – Ex S.S.P.S.A.E e per il Polo Museale della città di Firenze – Gabinetto Fotografico

Piccolo capolavoro in olio su rame, questo dipinto fu realizzato da Vasari per Francesco I e rappresenta un’officina in cui il dio Vulcano sta realizzando uno scudo con ariete e capricorno, segni zodiacali di Francesco I e di suo padre Cosimo, Minerva con squadra e compasso nella destra gli mostra un foglio, mentre sullo sfondo si muovono figure varie: alcune sono intente a copiare il gruppo scultoreo delle Tre grazie, altre trasportano un busto, altre ancora forgiano un’armatura sull’incudine. A raccordare lo sfondo e il primo piano è una figura in volo che porta una corona intrecciata con foglie di olivo, forse allusione all’unione tra le arti dell’intelletto come pittura, scultura, e architettura e l’opera dell’artigiano in primo piano.

Su concessione MiBACT – Ex S.S.P.S.A.E e per il Polo Museale della città di Firenze – Gabinetto Fotografico

Opera tra le più note della storia dell’arte italiana, l’Annunciazione di Simone Martini è un compendio di eleganza e armonia. La scena dell’Annunciazione occupa la parte centrale di un trittico in cui compaiono anche le figure dei Santi Ansano e Margherita. Sullo sfondo dorato si delineano le figure dell’angelo e della Vergine in uno spazio scandito dal vaso di gigli al centro. L’angelo appena giunto, in vesti dorate, reca in mano un ramoscello e sulla testa una corona d’olivo, simbolo della pace portata dal Salvatore.

Su concessione MiBACT – Ex S.S.P.S.A.E e per il Polo Museale della città di Firenze – Gabinetto Fotografico

Nella lunetta collocata all’interno della Sala di Giove a Palazzo Pitti, la cui decorazione fu commissionata da Ferdinando II de’ Medici, è rappresentata Minerva con lo scudo e l’elmo dorato mentre insegna a Cecrope, primo re dell’Attica, a coltivare l’olivo. Nella mano sinistra, che regge lo scudo, la dea tiene un ramoscello di olivo, mentre con la destra indica l’albero tenuto dal re. Proprio durante il suo regno infatti, secondo il mito, Minerva avrebbe vinto la contesa con Poseidone per il possesso dell’Attica, donando ad Atene l’olivo. 

Su concessione MiBACT – Ex S.S.P.S.A.E e per il Polo Museale della città di Firenze – Gabinetto Fotografico

L’opera è realizzata su un piccolo rame proviene dalla villa medicea della Petraia e probabilmente si tratta del dipinto che Fontebuoni donò a Cosimo II de’ Medici come attesta la biografia scritta da Filippo Baldinucci. Rappresenta un paesaggio roccioso dal quale emerge la figura di Giovanni Battista che, a braccia spalancate, ammonisce la folla radunata intorno a lui. Sullo sfondo è evidente la presenza di alberi di ulivo che oltre ad essere richiami simbolici, creano un paesaggio tipicamente mediterraneo con le loro folte chiome.

Su concessione MiBACT – Ex S.S.P.S.A.E e per il Polo Museale della città di Firenze – Gabinetto Fotografico

L’opera, esposta a Nizza in occasione della mostra “Exposition du Novecento Italiano” nel 1924, rappresenta gli apostoli addormentati nell’orto degli ulivi, nei momenti che precedono la cattura di Cristo e la sua Passione. Le figure degli apostoli occupano lo spazio della tela in modo razionale mentre lo sfondo è dominato da piante di ulivo dai grandi tronchi e dalle foglie argentee. La luce della luna illumina la scena conferendole un tono sospeso tra malinconia e sogno.

Su concessione MiBACT – Ex S.S.P.S.A.E e per il Polo Museale della città di Firenze – Gabinetto Fotografico

L’affresco realizzato in una delle celle del convento di S. Marco, rappresenta l’incontro tra Gesù risorto e Maria Maddalena. La scena si svolge in un giardino chiuso sullo sfondo da una palizzata e caratterizzato da un prato fiorito e quattro alberi in secondo piano: cipresso, palma, olivo e cedro. Secondo una tradizione, con il legno di questi quattro alberi sarebbe stata realizzata la croce di Cristo. In primo piano la figura del Risorto con la zappa sulla spalla allontana con il gesto della mano Maddalena che tenta di avvicinarsi a lui.

Su concessione MiBACT – Ex S.S.P.S.A.E e per il Polo Museale della città di Firenze –  Gabinetto Fotografico

La tavola faceva parte di uno dei pannelli che componevano l’Armadio degli Argenti realizzato dal Beato Angelico e dai suoi aiuti su commissione di Piero de’ Medici per contenere ex voto nella basilica della Santissima Annunziata di Firenze. La scena si svolge in un paesaggio roccioso sul quale spiccano gli alberi di ulivo. In primo piano Cristo avanza verso Gerusalemme cavalcando un asino e calpestando rami di ulivo e fiori sparsi in terra. La folla lo precede e, come gli apostoli che chiudono il corteo, tiene in mano rami di ulivo, mentre un personaggio del gruppo stende a terra un mantello. Tutti acclamano, come suggerito dall’iscrizione sotto la tavola, il Figlio di Davide che viene nel nome del Signore.

Su concessione MiBACT – Ex S.S.P.S.A.E e per il Polo Museale della città di Firenze –  Gabinetto Fotografico

Nella tela si ripropone la scena di Cristo che entra a Gerusalemme: in primo piano, avanza cavalcando un asino tra la folla di persone e apostoli che agitano rami di olivo. Alle loro spalle un paesaggio costituito da colline e dalla città sullo sfondo. Molto evidenti sulle alture sono tre alberi di olivo sui quali si arrampicano dei bambini per raccogliere i rami, elementi che caratterizzano l’intero dipinto con intento celebrativo.

Su concessione MiBACT – Ex S.S.P.S.A.E e per il Polo Museale Regionale della Toscana –  Pinacoteca Nazionale di Siena

Realizzata da Lorenzetti per il Palazzo Pubblico di Siena, la tavola presenta la scena dell’annunciazione all’interno di uno spazio definito da una bifora. Si rappresenta qui il momento culminante dell’annuncio, quando la Vergine pronuncia il suo sì a Dio. L’angelo reca in mano, al posto del consueto giglio, una palma, mentre una corona di olivo gli cinge il capo, segno di pacificazione tra Dio e gli uomini in Cristo.

Su concessione MiBACT – Polo Museale Regionale della Toscana – Pinacoteca Nazionale di Siena

Il dipinto fa parte della decorazione del soffitto cassettonato della casa di Giorgio Vasari. Qui l’artista rappresenta nel tondo centrale Dio Padre nell’atto di benedire Abramo e Isacco tra le sue braccia. Intorno quattro quadri più piccoli con allegorie femminili: la Concordia, la Purezza, la Modestia e la Pace. Quest’ultima è seduta e tiene in mano un ramo di ulivo con frutti. La benedizione della discendenza di Abramo si lega probabilmente all’augurio di prolificità per gli sposi, così come le allegorie potrebbero riferirsi alle virtù della sposa. Si ritiene infatti che questa fosse la camera da letto dei coniugi Vasari.

Su concessione MiBACT – Museo Statale di Casa Vasari, Polo Museale regionale della Toscana

La scena riporta quanto narrato da Apuleio nelle sue Metamorfosi: Psiche è una giovane fanciulla di cui Cupido-Amore si innamora senza svelarle mai la sua identità. Una notte, mentre Amore dorme, Psiche si avvicina a lui con una lampada e una goccia d’olio cade sul suo corpo svegliandolo e mettendolo in fuga. Soltanto dopo aver superato molte prove, Psiche sarà ammessa tra gli dei e potrà ricongiungersi son il suo amato.

Su concessione MiBACT -Soprintendenza SPSAE e per il Polo Museale della Città di Roma

Il paesaggio rappresentato in questa tela è una veduta dell’abbazia basiliana di San Nilo a Grottaferrata, soggetto proposto più volte da Van Wittel. Grazie alla sua esperienza di disegnatore, l’artista propone una visione prospettica e realistica della scena. Realizza il quadro su commissione verso la fine del Seicento rappresentando un paesaggio luminoso in cui la costruzione dell’abbazia occupa la parte centrale della tela ed è circondata da rigogliosi oliveti disposti sulle pendici collinari, testimonianza della presenza di questa coltivazione i cui frutti erano utilizzati per le necessità dei monaci.

Su concessione MiBACT -Soprintendenza SPSAE e per il Polo Museale della Città di Roma

La pagina fa parte del codice con l’Historia Plantarum, manoscritto realizzato per l’imperatore Venceslao di Lussemburgo la cui decorazione miniata è attribuita alla scuola di Giovannino e Salomone de’ Grassi. Nei 295 fogli che compongono il codice è riprodotta un’enciclopedia di scienze naturali con minerali, piante e animali, descritti e rappresentati con testi e disegni che occupano la parte superiore o, come in questo caso, l’intera pagina. L’albero rappresentato è un olivo dai rami ricchi di foglie e frutti e dal tronco stretto che orna lo spazio vuoto lasciato dalle due colonne di testo in scrittura gotica italiana. Nel testo si fa riferimento alla distinzione tra specie domestiche e selvatiche di olivo e tra le prime si distinguono piante che producono olive nere, olive verdi e olive rosse, ognuna con i suoi pregi e difetti: le verdi sono ben digeribili ma poco nutritive mentre le nere saziano ma danneggiano lo stomaco, che trae invece beneficio dalle rosse. Questi frutti possono essere utilizzati anche come medicamento e la polpa delle olive viene indicata come rimedio contro le ustioni e le vesciche.

Su Concessione MiBACT – Biblioteca Casanatense

Realizzata nella fase giovanile dell’artista, l’opera rappresenta un paesaggio idillico abruzzese in cui si muovono due personaggi, una ragazza e un bambino, che conducono un gregge di pecore. La ragazza, in primo piano, tiene su un braccio una stoffa dentro la quale porta della frutta e in mano un grappolo d’uva. Accanto a lei è una pecora davanti alla quale tiene con la destra una fronda di ulivo, promettendola in pasto appena raggiunto l’ovile. Pochi passi dietro di lei è rappresentato il bambino che avanza davanti al gregge. Sullo sfondo una città di cui si intravvede la chiesa con il suo campanile e una natura rigogliosa resa con tocchi di colore brillante.

Su concessione MiBACT – Soprintendenza SPSAE e per il Polo Museale della Città di Roma

La tomba a camera rettangolare con tetto a doppio spiovente e trave di colmo, prende il nome dai due leopardi rappresentati sulla parte alta della parete di fronte all’ingresso. Sotto di essi si compone una scena di banchetto con uomini e donne distesi su triclini e servitori che porgono loro da bere. La scena si svolge in uno spazio aperto tra le fronde degli ulivi che spuntano tra le figure. Altri personaggi si muovono sulle pareti laterali della stanza, si tratta di danzatori e suonatori che avanzano verso il banchetto camminando tra alberelli di ulivo. Una scena quotidiana diventa il contesto per rappresentare in un paesaggio naturale il banchetto funebre del defunto rappresentato a capotavola con un uovo in mano.

Su concessione MiBACT – Soprintendenza Archeologia del Lazio e dell’Etruria Meridionale – Archivio fotografico Etruria Meridionale

Questo affresco fa parte della decorazione pittorica del salone principale della Villa del cardinale Fulvio Della Corgna, nipote di Papa Giulio III. Si tratta di una figura allegorica che rappresenta la Pace: su uno sfondo appena delineato si staglia una giovane donna che reca in mano una corona di alloro e un ramo di olivo con foglie e frutti maturi. L’alloro, sacro ad Apollo e alle Muse, potrebbe rappresentare la scienza e le arti liberali, l’olivo invece rappresenterebbe le discipline tecniche. Le une e le altre sono determinate dalla pace.

Su concessione MiBACT – Segretariato Regionale Umbria

La scena delle stimmate di San Francesco è collocata in una sezione della predella del polittico realizzato per il convento di Sant’Antonio a Perugia. L’episodio è ambientato in notturna nel paesaggio della Verna, composto da nude rocce, tra le quali si apre l’ingresso alla grotta del santo, e alberi di olivo che scandiscono lo spazio in profondità. In primo piano le due figure di san Francesco e di un suo confratello, in alto il serafino nelle sembianze di Cristo emana la sua luce sul santo che riceve i segni della Passione nella sua carne.

Su concessione MiBACT – Segretariato Regionale Umbria

L’opera proviene dal convento di San Bernardino di Ferrara e rappresenta la Vergine su una nuvola in vesti bianche, avvolta da un mantello rosso, simboli della purezza verginale e del sacrificio di Cristo. In alto la Trinità con il Padre benedicente, il Figlio bambino con la croce sulle spalle e lo Spirito Santo nella consueta forma della colomba. A sinistra e a destra, a chiudere la scena, alcuni santi. Lo spazio tra le loro figure e quella della Vergine è occupato da simboli che richiamano gli attributi con cui Maria veniva invocata nelle litanie, come il sole, la luna, la torre, i gigli e un ramo d’ulivo. Questo rappresenta la pacificazione tra Dio e l’uomo avvenuta con la nascita della Vergine, speranza dell’umanità intera. Con la sua immacolata concezione si riannoda il filo spezzato con il peccato originale.

Su concessione MiBACT – Pinacoteca di Brera

L’opera, attribuita a Ceruti dall’inizio dell’Ottocento, rappresenta una natura morta, soggetto sul quale l’artista realizzò varie opere, con riferimento alla sacralità del cibo. Al centro fa bella mostra un piatto di gamberi attorniato da un limone, del pane, due ampolle e una bottiglia. Nelle ampolle trasparenti si vedono olio e vino che, insieme al limone, costituiscono i condimenti dei crostacei. Olio e vino inoltre, associati al pane, costituiscono un richiamo all’Eucaristia e a Cristo, il Messia.

Su concessione MiBACT – Pinacoteca di Brera

La tela ci presenta l’immagine di Maria immacolata, a capo reclinato e mani giunte su uno sfondo di cielo in tempesta attraversato da bagliori divini. In veste bianca e coperta da un mantello azzurro, la figura è contornata, in alto e in basso, da angeli. Quelli ai suoi piedi tengono in mano i simboli degli attributi di Maria, come il giglio, la palma e un rametto di ulivo con i frutti, tre olive, simbolo di pace e misericordia.

Su concessione MiBACT – Pinacoteca di Brera

La tela esposta nella Pinacoteca di Brera proviene dalla chiesa di Santa Maria Maggiore a Venezia a cui era stata donata dal cavaliere segretario ducale Simone Lando. Opera della maturità di Veronese, mostra l’inedita iconografia di Cristo che sviene tra le braccia di un angelo nell’orto degli ulivi. Il momento drammatico è sottolineato dai toni scuri dello sfondo ai quali si contrappone il bagliore proveniente dalla luce divina. In secondo piano si scorgono i discepoli addormentati sotto grandi alberi.

Su concessione MiBACT – Pinacoteca di Brera

Il dipinto ci mostra Gesù Bambino in piedi sul globo terrestre con in mano un ramoscello di ulivo. La mano destra è in atto di benedire, il corpo nudo avvolto da un manto svolazzante. Il volto del Bambino richiama probabilmente quello del fratello di Elisabetta mentre il ramo d’ulivo, presente in varie opere della stessa artista con soggetto simile, potrebbe avere a che fare con quanto scrive San Girolamo a proposito dell’ulivo come simbolo di Cristo.

Su concessione MiBACT – Pinacoteca Nazionale Bologna

Il grande mosaico che si dipana nel catino absidale della basilica presenta una raffigurazione divisa in tre fasce, al centro un medaglione contiene la croce gemmata con il volto di Cristo. La fascia mediana è occupata dalla rappresentazione di un paesaggio verdeggiante dove predomina la presenza di alberi di olivo. Tra di essi tre pecore rappresentano Pietro, Giacomo e Giovanni. Nel registro inferiore Sant’Apollinare in posizione centrale con le braccia aperte, ai lati 12 pecore rappresentanti gli Apostoli. In alto la mano del Padre e le figure di Elia e Mosè. La composizione richiama la scena della trasfigurazione di Cristo sul monte Tabor, riproposto qui come una verde distesa di alberi di olivo.

Su concessione MiBACT – Sant’Apollinare in Classe Ravenna

Il ritratto fu commissionato dal marchese Giovan Carlo Doria per celebrare le sue nozze con Veronica Spinola e l’annuncio del suo ingresso nell’Ordine di San Giacomo che sarebbe avvenuto nel 1612. Nel dipinto, il giovane è rappresentato in posa composta mentre cavalca un destriero che si impenna verso lo spettatore. Il condottiero ha già sul petto la croce dei cavalieri dell’Ordine e sul braccio un drappo rosso simbolo del comando. Nell’opera le figure animali e vegetali sono richiami simbolici alle virtù del giovane, dal cane che rimanda alla fedeltà, alle cicogne simboli di fedeltà, mentre l’aquila è l’emblema della famiglia Doria. Le fronde che occupano l’angolo in alto a sinistra sono rami di quercia, simbolo di saldezza, edera, simbolo di fedeltà, e ulivo, simbolo dell’immortalità dell’anima e delle capacità di pacificatore del protagonista. Il ramo di ulivo in particolare presenta delle infiorescenze bianche, piuttosto inusuali, ed è illuminato dalla luce radente della luna.

Su concessione MiBACT – Polo Museale della Liguria, Galleria Nazionale di Palazzo Spinola